《十位全球顶尖建筑设计师》专题中选择了十位当代全球最活跃、最重要的建筑设计师,他们设计了21世纪最为震撼、最具有表现力的建筑。物质是易变的,只有精神才是永恒的。通过欣赏这十位建筑师的作品,逼迫我们去回过头,去重新思考这个世界,去认识什么才是真正的建筑。每一个建筑师都没有办法避一个基本的问题:什么是建筑?
戴帆(Dai Fan)
戴帆 : 最前卫、当代影响力最为广泛的建筑鬼才
“颠覆坚固之价值的冲动点燃了建筑。”
——戴帆
戴帆与他创立的DESTROY建筑事务所(纽约·北京)以设计具有深刻的哲思工程结构与震撼的建筑享誉世界,用极具独创性的建筑形态来向世人展示其非凡的艺术创造力和空间想像力。戴帆目前工作于纽约和北京,致力于探求与其时代精神相呼应的建筑表达的新形式,工作领域涉及建筑设计、结构及土木工程、工程设计、城市设计和规划、景观设计、环境美术、项目管理和城市战略研究等方面。他设计的建筑充满深奥、宏伟、怪诞、神圣、科幻的感觉,其建筑语言、构思的独创性以及特殊的建筑风格使其在瞬息万变的建筑潮流中始终成为全球关注的焦点。
戴帆(Dai Fan)
戴帆是当代知名度最高、影响力最为广泛的建筑师之一,曾入选美国福布斯设计榜单,荣获亚洲设计大奖、环球设计大奖等几十个国际大奖,近年担任全球设计奖评委、亚太建筑空间大奖等一系列国际大奖评委。随着太空时代的到来与深入向前发展, “人类纪”迫切需要创建宇宙时代的建筑创作原则与建筑美学,未来以某种隐匿的方式写在现在发生在我们周围的事件之中。把非人的因素和推理的因素混合起来。他构建了一个不可思议的宇宙,关于一个时代的建造神话,展现了一种溢满新奇和神秘的建筑空间魅力。戴帆的代表作品有法国巴黎FA PARIS,美国佛罗里达州 Florida Art Museum ,马来西亚吉隆坡200米高的东方运营中心(East Operation Center),中国山西大同造园中国造园(Chinese Garden)。
东方运营中心(East Operation Center) 马来西亚吉隆坡
戴帆的建筑对最尖端、最不可捉摸、最遥远、最疯狂、最不可预测、最复杂的未知进行编码,极其独特,超乎常规,保持独树一帜的设计理念,其所设计的建筑大胆奇异,造型丰富,构思巧妙,可以说是惊世之奇迹。作品包括美术馆、博物馆、音乐厅、学校、科技中心、学术机构、商业综合体、酒店、机场、宾馆、写字楼、体育场、桥梁、多功能交通中心等类型。观看戴帆建筑的人,往往第一瞬间,就被眼前深邃的场景所吸引。戴帆通过构造宇宙与空间的关系,让整个建筑呈现出一种不稳定性,那些物体似乎交替地存在于过去、现在和未来,努力地在时空中寻找着自己的位置,并向观众发出诘问:没有了建筑之后的世界,会是什么样的?空间壮丽而无穷无尽地纠缠在一起,闪闪发光,又永远幻术般地交替变换,彻底搅动着城市的天际线。
《进化生态学:非人理论与神秘自然学》在美国德克萨斯州泰勒市占地面积400公顷的“太空城”(项目范围涵盖城市规划、交通建筑、会展建筑、办公建筑、城市综合体、体育建筑、酒店建筑、教育建筑 )的城市规划与建筑设计,此项目为运用“人类纪”的种种思想设计城市与建筑概念的尝试,DESTROY建筑事务开创了宇宙建筑设计的新时代。宇宙发射出的思考与非人类的语言螺旋构成了一个复像的空间,一个拟像的空穴,建筑由此既与人无关,也与符号无关,建筑的有效性不仅源于它的语境,也源于一种虚拟的扩张,这样的扩张在一个和它相同的层面上,在一个任意散步的阵列中展开,这无疑是当代建筑的依旧隐秘的位置,一个罕见的有所发现的建筑,建筑既不关注人,也不关注风格,在那里,思考建筑的方向被魔鬼的法术所迷惑,而希腊人恐惧背着弓的诸神的闪耀在场。
《 暴动结构 :毁灭的象征学》 戴帆试图突破人类中心主义的窠臼来重新思索建筑的开放的共造网络;从物本体的角度来思索建筑;世界终结后的生态学将思索的视界从生命转向宏大的宇宙,在物种灭绝乃至“世界终结”的末世背景之下极端地反思生命的根本困境。宇宙本身就是噪音、音乐、表演、戏剧,把自己同时实现为事物和虚幻的事物,并因此不但成为事物,但又要成为空洞和虚无,那时绝对饱满的绝对空虚,最后还要作为有无缠绕循环众的眩晕。戴帆(DAI FAN)的代表作品有:1.比沉睡更久远的残骸(A Longer Wreck Than A Sleepy)2. 站在惊奇之巅 (On the Heights of Surprise)3. 进化的崇拜 : 存在偏爱在非存在之上(The Worship Of Evolution : The Preference For Existence Over Non - existence)4.猎户座的第七次闪耀(The Seventh Shining of Orion)5. 宇宙幽灵 : 恐惧与颤栗,建筑解剖,分解抑郁的想法和畸形的灵感遗产(Cosmic Phantoms : Fear And Thrill, Architectural Anatomy, The Idea Of Decomposing Depression And The Degenerate Inspirational legacy )。戴帆的建筑犹如漩涡中 “神秘生物”进入未知。在充分刺激下,空间的本能达到高潮,建筑的向天空的扩张,伴随着液体飞速的喷出、结构的强烈勃动以及全身肌肉的痉挛,能让宇宙真切地感受到能量的全部美感和无穷的魔力,而此刻建筑所表现的勃勃生机和震撼的力量,也会让宇宙为之心仪不已。太阳和群星稳定地围绕着一个中心旋转的话,那么这我们存在于其中的宇宙整个的就是众星球的漩涡所是之物就此看来,事情并非如此:群星的漩涡像是一朵绽放的鲜花。破坏、违抗、折射、衍射、中断,然而另一方面,意义已经开始在这里离析、退化、消失:过多的分割、割断、隔离镜头。阳系将星球的漩涡加入了核心星体的旋转:这些星球自身旋转着,有时有光环或卫星相伴。一种特异形式把宇宙“黑暗化”了,或说探讨了“黑暗化”的宇宙,回应那个结合了“黑”和“生态学”的新词、新概念的咒语关涉深渊力量方面,建筑使人们能够真正超越自然的表述模式,高潮描述为“温暖的、易痒的、电击样的和尖锐的”;是“深层的、悸动的、抚慰的和舒适的”。首先,它假定了人空间存在着一种不可抗拒的过度,这种过度驱使人进行毁灭,并让他和一切诞生、成长、努力持存的事物的不断的、不可避免的湮灭融为一体。地球的确会因建筑的涌入而激起亢奋,这在生理上无法解释,却与心理相关。因此,有人说,与其说建筑在空间喷射中冲击的是宇宙的阴道穹窿,不如说那浓于虚空的建筑的精华滋润的是人类整个身心的世界。宇宙以某种超级谵妄的系统性意志,把疯癫和异想推至极端,使它成为有意识的行为,直到成为一种世界的总体经验:宇宙变成了人类的极限碰撞。庞大之物,崇高之物,不可思索之物借助于建筑存在的惊人力量——一种真实的、绝对遥远的、若隐若现的、无形的在场 一种不可避免的宿命,一种必然的规律,一种平静的 无穷的 不可测的奇特的力量。
贝聿铭 (Ieoh Ming Pei)
贝聿铭 : 世界因他的建筑而变得更美
“让光线来作设计。”
——贝聿铭
贝聿铭 (Ieoh Ming Pei)
贝聿铭,美籍华人建筑师,1917年4月26日生于广州,他的祖辈是苏州望族,他曾在家族拥有的苏州园林狮子林里度过了童年的一段时光。其父是中国银行创始人之一贝祖怡。10岁随父亲来到上海,18岁到美国,先后在麻省理工学院和哈佛大学学习建筑,于1955年建立建筑事务所,1990年退休。作为最后一个现代主义建筑“大师”,他被人描述成为一个注重于抽象形式的建筑师。他喜好的材料包括石材、混凝土、玻璃和钢。作为20世纪世界最成功的建筑师之一,贝聿铭设计了大量的划时代建筑。美国全国建筑学院继1979年向贝聿铭颁发了金质奖章之后,1983年,他获得了建筑界的“诺贝尔奖”——普里茨克建筑奖。总部设在纽约的“亚洲协会”向他颁奖,表彰他为中国和其他亚洲国家设计的形式多样、宏伟壮丽的建筑物,有助于增进美国与亚洲国家之间的了解。上海同济大学授予他“名誉教授”的称号。贝聿铭被称为“美国历史上前所未有的最优秀的建筑家”。
贝聿铭从来不是孤傲的设计师,他的建筑生涯中一只手握着他的才华与奋斗,一只手握着他卓越的交际手腕,头顶还笼罩着中国旧时代贵族的光环。他作为一名建筑师,游走在政界与名流之间。有些人认为他圆滑世故,可他或许找到了建筑设计在现代社会中最好的表达方式。建筑需要运作大量的社会财富,尤其是公共建筑要对广大的受众负责,建筑师应具备一种强大的自信与打动人的力量,建筑师不仅仅只是负责在图纸上实现一座建筑的设计,也需要把控人与人之间的交流。
贝聿铭建筑有以下几个特点:
光线特点:光是建筑的色彩,“让光线来作设计”是贝氏的名言。在他的作品中光与空间的结合,使得空间变化万端,巴黎卢浮宫金字塔的入口把大量的光线引入死气沉沉的博物馆,让过去的历史晒晒今天的太阳。“光很重要。没有了光的变幻,形态便失去了生气,空间便显得无力。”光是贝聿铭在开始一项建筑时首先考虑的问题。玻璃与钢材:由于玻璃自身的特性€€€€透明、反射,并且玻璃透明不至于遮挡减损原建筑物的立面,不仅符合贝氏对阳光的追求,更能够从视觉上以及空间原理上使得原有的建筑群不会被削弱,并且能使设计者的建筑思想得到充分表现,加上光线和人的运动,整个空间被赋予了活力。混凝土:贝氏注重于混凝土的研究, 挖掘它的受力特征与视觉表现力, 在建筑设计中将结构与装饰融为一体, 忠实于材料的质感表现力, 从而将对混凝土的应用推到一个新的高度。其中最为典型的就是伊弗森美术馆内庭的螺旋梯,我们完全可以将之视为一座可以供人上下行走的雕塑。几何:贝聿铭在发展现代主义建筑的几何构成上作出了不朽的贡献。贝以他丰富多彩的建筑作品, 向人们表明, 现代主义仍是有活力的, 它决不是一种机械主义, 而是同样可以呈现多姿多彩的艺术形象。
安藤忠雄(Tadao Ando)
安藤忠雄 : 清水混凝土诗人
“建筑是一种媒介,使人们去感受自然的存在。”
—— 安藤忠雄
安藤忠雄有“清水混凝土诗人”的美誉,不仅是因为他的建筑大多采用水泥为主要材料,风格极简,更重要的是,在这些抽象简约的建筑之内,将光与影的艺术发挥到极致。安藤忠雄是曾获建筑界的诺贝尔奖——普立兹克奖的世界一流建筑师。他1941年生于日本大阪府。1969年成立安藤忠雄建筑研究所。致力于与环境协调的过程中对建筑存在方式的新提案。1969年在大阪成立安藤忠雄建筑研究所,设计了许多个人住宅。其中位在大阪的“住吉的长屋”获得很高的评价。1980年代在关西周边设计了许多商业设施、寺庙、教会等。1990年代之后公共建筑、美术馆,和海外的建筑设计案开始增加。
安藤忠雄因其对混凝土非凡的使用,天然光感性的对待以及自然的强烈引入受到高度认可。基于日本大阪市,安腾克己而又丰富的当代主义的远见与日本传统建筑的概念产生共鸣,并且常被称为“地域批判主义”。安腾的建筑从简单的几何形状与复杂的三维循环对比得出其形式,反映了他渴望他的建筑的是一个身临其境的物理体验。他对自己的设计之道做出了如下解释,“当我设计建筑时,我认为整体的组成,就像身体的部分会结合在一起的一样。重要的是,我常常思考人们怎样去接触一个建筑并且去感受这个空间。如果你给人们一片虚无,他们会去思考能从虚无里得到什么。当今世界最为活跃、最具影响力的建筑大师之一。他自学成才成为建筑大师。30多年的时间里,创作了近150项国际知名的建筑作品,是日本第三位获得普利策奖的日本建筑师。安藤开创了一套独特的建筑风格,他用清水混凝土材料以及简约的几何构成,营造出静谧、明朗的空间效果,为传统的日本建筑设计带来划时代的启迪。
安藤的建筑一直是对现代主义的批判。他借用了现代主义的形式,并对整个现代主义进行批判改造。安藤运用现代主义的材料、语汇以及在建筑中具社会影响力的教条,向机能主义偏执的思潮进攻。安藤反机能主义,是对于具有空调和户户相对建筑的立面,他认为这种舒适建筑切割了人和自然的联系。对安藤来说,建筑是人与自然之间的中介,是一脆弱的、理性的庇护所。
安藤相信构成建筑必须具备三要素:
第一要素是可靠的材料,就是真材实料;这真材实料可以是如纯粹朴实的水泥,或未刷漆的木头等物质。第二因素是正宗完全的几何形式,这种形式为建筑提供基础和框架,使建筑展现于世人面前;它可能是一个主观设想的物体,也常常是一个三度空间结构的物体。当几何图形在建筑中运用时,建筑形体在整个自然中的地位就可很清楚的跳脱界定,自然和几何产生互动。几何形体构成了整体的框架,也成为周围环境景色的屏幕,人们在上面行走、停留、不遇期的邂逅,甚至可以和光的表达有密切的联系。借由光的影子阅读出空间疏密的分布层次。经过这样处理,自然与建筑既对立又并存。最后一个因素是”自然”;在这儿所指的自然并非是原始的自然,而是人所安排过的一种无序的自然或从自然中概括而来的有序的自然--人工化自然!安藤所谓的自然,并非泛指植栽化的概念,而是指被人工化的自然、或者说是建筑化的自然。他认为植栽只不过是对现实的一种美化方式,仅以造园及其中植物之季节变化作为象征的手段极为粗糙。抽象化的光、水、风。这样的自然是由素材与以几何为基础的建筑体同时被导入所共同呈现的。
雷姆·库哈斯(Rem Koolhaas)
雷姆·库哈斯 : 世界上最具争议的建筑师
“建筑是一种冒险。”
——雷姆·库哈斯
雷姆·库哈斯1944年生于鹿特丹,幼年在印度尼西亚度过,后来移居阿姆斯特丹,曾经做过记者和电影剧本撰稿人。库哈斯曾在伦敦建筑联合学院、美国康奈尔大学学习建筑。在伦敦创立了荷兰大都会建筑事务所(Office For Metropolitan Architecture,简称为OMA),进行全世界各地的建筑设计与城市规划。目前,OMA的总部设在荷兰鹿特丹,库哈斯目前是OMA的首席设计师、哈佛大学教授。近年来,他又成立了AMO以研究OMA。1988年,纽约现代艺术博物馆举办了包括库哈斯在内的“解构建筑七人展”。1995年,库哈斯成为纽约现代艺术博物馆年度回顾展的主题,展览的题目是“雷姆.库哈斯和公共建筑空间”。2000年5月,库哈斯被授予第22届普利兹克建筑奖。如今库哈斯设计的建筑遍布全球,例如北京的CCTV大楼(CCTV Headquarters)、De Rotterdam综合性大楼、康奈尔大学内的Millstein大厅(Millstein Hall)以及Prada基金会米兰新总部(Fondazione Prada)。
库哈斯被称为”世界上最具争议的建筑师“,甚至是”反建筑的建筑师“,但这些称呼无法看透这位大师下一步将要探索怎样的建筑形式,也无法预知他能有多大的构思。
库哈斯的理论和他激进的方案一样著名,他已经成为了现代最有影响力的建筑师。从他最早期的彩色时期开始,库哈斯经历了肮脏现实主义、解构主义以及商业实用主义,他将 Leonidov 与 Le Corbusier 相嫁接,将摇摆的五十年代和枯燥的六十年代相混合,联系起了实用主义的图解和雕塑般的体量,最终来到了历史遗产、生态学和可持续的领域、元素和其组成规律的问题。
“从他最早期的彩色时期开始,库哈斯经历了肮脏现实主义、解构主义以及商业实用主义,他将 Leonidov 与 Le Corbusier 相嫁接,将摇摆的五十年代和枯燥的六十年代相混合,联系起了实用主义的图解和雕塑般的体量,最终来到了历史遗产、生态学和可持续的领域、元素和其组成规律的问题。伴随着这种转换的是一种对思考的热诚、艺术上的先进性以及宏大的视野,能够从建筑的问题转换到土地的问题。而在他的作品之中,表达了对于现实的理性以及对于现存事物批判性的接受,伴随着对于图像刺激、简洁的装饰以及挑战传统的追求。库哈斯的建筑常常有着简单却惊世骇俗的外表。就像建筑师事务所名称所暗示的那样,他的建筑“类型”最终取决于城市的上下文,在都市语境之中“它们”(而不是“它”)才有自己的意义,它的建筑类型学是城市-建筑的类型学。
然而,库哈斯对文化景观最富于挑衅性的,并且在许多方面最少被理解的,是他作为一个城市思想家的贡献。从勒-柯布西耶(Le Corbusier)在上个世纪二十年代和三十年代绘制他的现代主义城市观景以来,还没有一个建筑师覆盖如此多的领域。库哈斯在世界各地寻找业务,在这个过程中,他写作了6本关于当代大都会发展的书籍,并且为巴黎郊区、利比亚沙漠和香港做了总体规划。哈斯开始解决表面上的矛盾:尽管自己是一个建筑师(或者说是最好的建筑师之一),但是库哈斯的最终目的是进一步钻研“建筑是什么”,甚至超越建筑的范畴。这就是为什么库哈斯将其工作重心分裂成两部分。AMO和OMA事务所,它们俩就如同镜像。OMA有其设计的创新性,在当时还相当传统的建筑氛围中进行建筑设计并解决因此出现的问题。而事实上,库哈斯的名气来自于他的建筑里能满足居民需要的如同天才般与众不同的空间布局。例如库哈斯设计的西雅图公共图书馆。这个建筑不仅仅是纯粹的一个容纳未来知识的建筑,它以一个具有冲击性又合乎逻辑的结构,带出一个以书为本的态度:它与其说是一个激进的改造,不如说是对传统的“重新解释”。
让•努维尔(Jean Nouvel)
让•努维尔 :建筑成为让•努维尔征服世界的独特方式。
“我毕生都在与平庸的建筑抗争、为不同的建筑而战斗,每一项工程都是一次历险。”
—— 让•努维尔(Jean Nouvel)
让•努维尔(Jean Nouvel)是法国当代著名建筑师之一,1945年出生在法国的西南部阿基坦大区洛特-加龙省的菲梅勒。他在巴黎法国巴黎国立高等美术学院学习。在他建筑师生涯中他获得了一系列有权威性的奖赏,包括阿卡汗奖、2005年沃尔夫艺术奖和2008年普利兹克奖。他综合采用钢同玻璃,熟练的运用光作为造型要素,使作品充满了魅力。他认为建筑设计的过程更多的是适用外部自然、城市、社会条件的结果。在许多可以描述建筑师让努维尔职业生涯的词汇中,最重要的是强调那些他勇敢追求新思想和他挑战公认的规范,以延伸领域的界限的词汇。在过去的30年里,努维尔把结构的话语和实践推向一个新高度。他并不在意已经获得的不同程度的成功,他好奇和敏捷的思维推动着他承担每个项目的风险,并且极大地扩大了当代建筑的词汇。
他喜欢断裂的规模和形式,将观众从一个美感之中移动到另一个美感之中。操纵光和透明层与不透明性是努维尔作品中不断出现的主题。他的研究所(阿拉伯世界研究所),1987年在巴黎建造,设计可调节透光金属丝框嵌入其朝南玻璃立面从而控制室内光线,这是对传统阿拉伯格子的现代应用。对于努维尔来说,建筑先天是没有风格这一说的。相反,语境在最广泛的意义上被译为文化、位置,项目和客户。这使得他对每个项目制定不同的策略。努维尔擅长用钢、玻璃以及光创造新颖的、符合建筑基地环境和文脉要求的建筑形象。努维尔非常善于创作都市题材的建筑,在限制繁多且苛刻的城市中,他钟情于使用玻璃进行罩面。
过去的三十年间,让•努维尔已将建筑的理论和实践推向了一个新的高度,他把好奇、敏锐的冒险态度带入每个项目中,使现代建筑领域不仅有了更多的成功案例,还极大扩展了现代建筑的语汇。” 建筑成为让•努维尔征服世界的独特方式。1987 年,阿拉伯世界文化中心正式开放。这成为努维尔最成功的处女秀。“我总是在设计不同的建筑,从不使用相似的语汇,”努维尔说,“但我的设计态度从未改变,我关心的价值从未改变,建筑是时代的缩影,这是我对建筑的定义。”让·努维尔在过去30年中推动建筑理论、实践实现了新的突破。他好奇而敏捷的思维促使他大胆地设计每一件作品。这些作品获得了不同程度的成功,丰富了现代建筑的内涵。
大师与普通建筑师的区别往往在于他们超前的理念和独树一帜的见解。努维尔便是其中“不走寻常路”的一个典范。他大量采用玻璃和钢材,充分利用自然光和阴影,让建筑作品充满魅力。有评论说:“努维尔的建筑不受先入为主的‘风格’约束。”从美国明尼阿波利斯的格思里剧院到阿联酋阿布扎比卢浮宫博物馆等风格迥异的作品都印证了这一点。努维尔说,每当他面对一个全新项目,便要清空头脑中有关之前一个设计的思路。他说:“我毕生都在与平庸的建筑抗争、为不同的建筑而战斗,每一项工程都是一次历险。”
王澍(Wang Shu)
王澍 : 像写诗一样造房子
“造房子,就是造一个世界。”
—— 王澍
王澍,生于1963年11月,现任中国美术学院建筑艺术学院院长、博士生导师、建筑学学科带头人、浙江省高校中青年学科带头人。1985年,王澍毕业于南京工学院(今东南大学)建筑系,获学士学位;1988年毕业于东南大学建筑研究所,获硕士学位;1988年至1995年在浙江美术学院(今中国美术学院)工作。2000年王澍获同济大学建筑学博士学位。2012年2月27日,王澍获得了2012年普里兹克建筑奖,成为获得这项殊荣的第一个中国公民。这一代表全球建筑领域最高荣誉可以说是中国建筑行业的至上光荣。
园林城市和园林建筑的营造一直是王澍梦 寐以求的,而象山校区正好实现和满足了他多年来的夙愿。这是一个人的、人文理想主义的校园规划和校园营造,两期营造环绕了象山,呈散点状分布山野间,随意而自然,没有刻意设计的建筑形象,也没有着意营造的中心校区,校区是铺展于象山脚下的园林城市。回望中国传统园林院落式的大学建筑原型,象山新校园最终呈现为一系列“面山而营”的差异性院落格局。建筑群敏感的随山水扭转偏斜,场地原有的农地、溪流和鱼塘被小心保持,中国传统园林的精致诗意与空间语言被探索性的转化为大尺度的淳朴田园。那些校园建筑因此不是孤立的设计出来,而是在“自然”与“城市”之间的思考中显现出来。在中国的建筑传统中,这样的建筑被称为“园林”。这个词无法用西语的“花园”去翻译,它特指“自然”被置入“城市”,而城市建筑因此发生某种质变,呈现为半建筑半自然的形态。如果“自然”是一端,建筑师思考的另一端就是“城市”,一系列似乎在等待某种事件突发的小场所,似乎有点散漫,甚至没有一个严格的结构,但真正的生活才可能在这里放松的发生。建筑产生了檐下、洞内、飞道、屋顶下沉院落、屋顶平台、树下、田间、河边等多样性的教学交流空间,在这里,学院教育最重要的就是心灵的自由。
对于王澍而言,他的作品中运用中国传统的材料和符号不仅仅是具有东方色彩纯形式的东西,比如他著名的作品“宁波博物馆”、“中国美术学院象山校区”等,基本都遵循“疏密得宜、曲折尽致、眼前有景”的中式建造标准,造型独特、形式新颖、功能齐全,颇具中国传统建筑的韵味,给人耳目一新的感觉。传统的乡村有着深厚的文化积淀,是活着的历史。有关现在和过去的适当关系问题,王澍提出的非常及时,因为中国最近的城市化过程引起争议:建筑是应当以传统为基础还是应当展望未来。王澍,作为活跃在中国建筑第一线的建筑大师,他的作品总是能够带给世人耳目一新的感觉,即使是对那些建筑司空见惯的人而言。凭着对项目场地的独特见解,对中国传统文化在建筑中的高超表达,以及对不同建筑材料组合的巧妙把握,使得王澍的作品有着一种独特的象征性和延续性。
雅克•赫尔佐格+皮埃尔•德梅隆(Jacques Herzog +Pierre de Meuron)
雅克•赫尔佐格+皮埃尔•德梅隆 : 技术与形式完美结合的明星建筑师
“建筑是非常古老的存在形式;你可以用眼睛看,用鼻子闻,你可以触碰它,也可以倾听它——就像是自然。它有非常感性的一面,与此同时它还鼓励你思考。我们把艺术和建筑都视作感知和反思的工具。两个学科都可以在观众和使用者那里激发出一种创造性的,甚至是情欲(erotic)的能量。这是一种无与伦比的、强大的能量,超越了任何道德立场和风格偏好。我认为这一点是不会改变的,即便在如此高度商业化的时刻也不会改变。”
—— 雅克•赫尔佐格+皮埃尔•德梅隆
雅克·赫尔佐格和巴塞尔,瑞士的皮埃尔·德梅隆都是在1950年出生于巴塞尔,有近乎平行的职业生涯,参加同一所学校,并在1978年组成合作伙伴关系的建筑公司,赫尔佐格和德梅隆。也许他们的最引人注目的项目是在去年参与完成了巨大的伦敦泰晤士河畔发电厂改造成泰晤士河现代艺术的泰特博物馆新画廊。它已广为同行和媒体的好评。在美国,他们已经完成了在加州的纳帕谷酿酒厂,利用石块包裹和金属丝网铸成无灰泥墙,目前正在建设的Kramlich住宅和媒体中心都在同一区域。他们在美国还有其他三个项目正在进行中,普拉达的纽约总部,位于旧金山的New de young博物馆计划于2004年完成,还有位于明尼阿波利斯的沃克艺术中心二期,预计在2005年完工。他们还有位于英国,法国,德国,意大利,西班牙和日本的项目,当然,还有在本土瑞士的。在那里,他们已经建成了住宅,一些公寓楼,图书馆,学校,体育场馆,一个摄影工作室,博物馆,酒店,铁路公用建筑以及办公和厂房。
雅克·赫尔佐格和皮埃尔·德梅隆的建筑找到了融合古老的艺术性职业和一个新世纪的技术能力的新方法。将建筑师在欧洲传统的根,与当前非常创造性的技术相结合的建筑解决方案为他们的客户满足一个谦逊的列车交换站到一个全新方式的酒厂方案的需求。他们的工作目录反映了兴趣和成就这种多样性。通过他们的房屋,市政和商业机构,博物馆和总体规划,他们展示了他们的确实的设计控制才华在不同的完成项目中起到了作用。他们的作品,直接从“材料”、“表皮”、“建构”入手,摒弃芜杂的手段,以最纯粹的心灵拷问上帝。在他们的作品中,材料始终是第一位的。雅克·赫尔佐格和皮埃尔·德梅隆的设计哲学是“基于知识的设计”(KNOWLEDGE BASED DESIGN),这需要不断地学习,而研究便是一种学习的过程。雅克·赫尔佐格和皮埃尔·德梅隆对基本的问题有兴趣,例如:什么是墙?什么是表面?什么是透明?这些问题会立即影响观察者的感官与感知能力。雅克·赫尔佐格和皮埃尔·德梅隆力求世界的物质性与感知的多元性,这是人类的核心状态。在雅克·赫尔佐格和皮埃尔·德梅隆看来,物质性必须被突显,才能展现建筑与艺术的精神特质。雅克·赫尔佐格和皮埃尔·德梅隆喜欢重量,也喜欢轻盈的结构,没有偏好哪一种。在概括自己的建筑思想时赫尔佐格说了两点:一、不追从任何一个潮流,不会遵循哪一种风格,当然也不会刻意与谁区别;二、随性而成,你看看一棵树的变化,在夏天是那么丰盛,在秋天开始凋零,到冬天就会变成枯枝,不同的时空总是造就不同的情形,所以我的建筑是自然的。
妹岛和世+西泽立卫(Kazuyo Sejima+Ryue Nishizawa)
妹岛和世+西泽立卫 : 有与无之间的暧昧
“我的终极目标并不是暴露社会体系本身,而是超越它。”
—— 妹岛和世+西泽立卫
SANAA建筑事务所由妹岛和世和西泽立卫于1995年共同设立。2004年,两人以金泽21世纪美术馆赢得了当年的威尼斯建筑双年展的金狮奖。2010年,两人一起荣获象征建筑学最高荣誉的普利兹克奖。SANAA呈现出一种新的建筑风格。除了对结构和设计的关注,他们开始把目光周围生活群落,环境和客户的个人需要:细致的研究,直觉的感受构成SANAA 的建筑设计,例如,他们设计的私人住宅就摆脱了传统的惯有模式。更准确地说,他们打开了建筑的设计程序,为各种不同情况的需求提供了实际的,灵活多变的设 计。非坚实的物质――比如玻璃,就是他们经常采用的材料。他们运用透明的物质构成交错的空间,把人们从对建筑空间的惯有体验和透视观感中解放出来。这些 SANAA的基本理念对年轻一代建筑师产生了巨大影响。
SANAA的作品“明净”、“空旷”、“匀质”、“含蓄”、“暧昧”、“静谧”、“朦胧”,他们的建筑简单得令人难以理解,那些空间气质暧昧,但不多愁善感。他们的建筑风格,纤细而有力,确定而柔韧,巧妙但不过分;他们创作的建筑物,成功的与周边环境,及环境中的活动结合在一起,从而营造出一种饱满的感觉及体验上的丰富性;他们非凡的建筑语言,来自他们的协作过程,这个过程独一无二而又激动人心。
建筑界从上个世纪60-70年至今,一直酝酿和加深对“不确定性”的认识,虽然经过了后现代主义和解构主义的浅层解读或者误读,终于走向其拨开云雾见天日的时候,这在新一代的建筑师如妹岛和世与西泽立卫身上表现得更加尤为明显。在前面师承关系上,可以看出建筑上的“不确定性”表现在三个方面,这三个方面只有作为三位一体完整地融合一起的时候,才能确定地说建筑界对后现代社会中“不确定性”真正地领悟了和理解了。这三个方面分别是:形式上的不确定性,功能上的不确定性和设计方法的不确定性。其实,还有概念的不确定性,观念的不确定性等等。这些都可以归属到上面的三种之内,从目前建筑界的发展状况来讲,和当代人们对建筑认识深度来看,分成三个方面来论述,应该说可以比较全面地把建筑上的“不确定性”的发展成果阐述清楚。 妹岛和世和西泽立卫两位建筑大师的理念是“不确定性”,一切都是不确定性。但是反过来想,“不确定性”就是他们建筑理念上的“确定性”。他们在建筑历史上的巨大功迹是确定了“不确定性”的理念在建筑中确定性的地位,这应该他们给建筑界最大的贡献之一。
斯蒂文·霍尔(Steven Holl)
斯蒂文•霍尔 : 美国最优秀的建筑师
“从第一笔的草图到最后建成,建筑都是和情感表达密切相关的,‘灵性’占据了空间,决定了建筑的具体细节。”
—— 斯蒂文•霍尔
斯蒂文•霍尔(Steven Holl)是美国当代建筑师中的代表人物之一,被公认能将空间与光线细腻巧妙地溶入到所处场所和意境中,运用每个项目的独特性质来创造以概念为驱动的建筑设计,此外他还擅长通过设计使现代建筑项目与其特定的历史文化环境浑然成一体。在学术、文化、市民和住宅领域的建筑作品遍布美国本土及海外,并被授予了多项建筑界最高的荣誉与奖项,为美国乃至国际当代建筑的标杆。赫尔辛基当代美术馆的成功竞标,让霍尔走进业内视野,并赢得了大众的普遍关注。2001年,他被美国《时代》杂志评为美国最优秀的建筑师,同年获得巴黎建筑学会最高荣誉奖章;2003年,被授予英国皇家建筑师协会荣誉资深会员称号。在斯蒂文•霍尔从业的四十余年中,多次赢得颇具声望的大奖,其中包括:1998年获得著名的阿尔瓦阿尔托奖(Alvar Aalto Medal),2012年获得美国建筑师学会金奖(the AIA Gold Medal), 2014年获得高松宫殿下纪念世界文化奖(Praemium Imperiale)建筑奖等等。与身上的明星标签相比,霍尔在业内的重要性更体现在他对于学术理论的研究和实践。作为美国哥伦比亚大学建筑学院的终身教授,霍尔长期保持着低调严谨的学者作风,而他的建筑实践也一直基于“建筑现象学”的理论进行补充探索,努力还原建筑的本质。不同于很多现当代建筑中形式化的“极简”,霍尔不仅剥去装饰上的繁复,也同时剥去所谓“极简风格”的表面。
霍尔展示了他对现代住宅的态度。他的设计满足于功能,以及人们视觉与精神上的需要。从本质上说,斯蒂文•霍尔信奉现代注意思想的建筑师,但他也不满于现代主意建筑过于具体,过于冷酷的结构表现。他强调设计目的是在于寻找建筑难以琢磨的本质。从这种思维出发,他的设计比较注重强调空间的巧妙处理,强求平淡之中包含精巧的形式和内容。对于空间的运动,他认为观察者位置的改变,已经不仅仅发生在水平面上。重叠的透视,由于身体在空间的位置运动创造出多重的灭点,打开一种空间平行的状态。通过“空间运动的平行”设计而成的透视空间与“静止的文艺复兴时期空间透视法灭点”以及“现代的轴测投影空间中对比例的倡导”完全不同。这是一种动态的透视上的连续性从“沿轴线流畅的转变,身体移动产生的视点”而产生流动的空间体验。对于霍尔来说,建筑环境里所包含的物理的、心理的、世俗的各种因素,都是相互联系和相互依存的。建筑的空间体验是一个复杂现实的集合。他也调个人对事物的认知过程中的感受变化和对世界的敏感度,以便于作为建筑师和使用者,积极地参与到知觉体验中。从赫尔辛基到首尔,霍尔的作品定义了这些极具设计感的城市的面貌;从波哥大到柏林再到阿姆斯特丹,霍尔将现代城市肌理与这些历史名城融为一体。在这其中,麻省理工学院学生宿舍西蒙斯楼 (Simmons Hall at MIT),北京当代MOMA (Linked Hybrid),成都“零碎的多孔社区”(Sliced Porosity Block) 和格拉斯哥艺术学院索纳雷德大楼 (Seona Reid Building) 都是霍尔最具代表性的作品。他的设计审美也通过他对于科技、光和整体论的理解的加深而不断发展,最终确立了他全球建筑创新实践中的重要地位。